Iñaki Bonillas: La lluvia llegó al final

abril 9 - junio 16 | 2013

La lluvia llegó al final es la más reciente incursión que hace el artista al archivo fotográfico que heredó de su abuelo, J. R. Plaza: un banco de imágenes conformado por cerca de tres mil fotografías de familia, que sirven con frecuencia a Bonillas para combinar en su trabajo elementos que podrían parecer de entrada incompatibles: por un lado, una narrativa personal, biográfica, hecha de anécdotas y apuntes de carácter más bien privado, y, por otro, un sentido cuasi científico de recopilación y de clasificación.

Con esta nueva serie Bonillas retoma un tema ya antes explorado en su obra: la idea de la fotografía como contrarrecuerdo; una noción creada por Roland Barthes para hablar de la función de las fotografías como sucedáneos de los recuerdos, a los que llega incluso a bloquear. La fotografía, sin embargo, tampoco está a salvo de desvanecerse. Una impresión, al ser atacada por la luz, por la humedad, empalidece, se extenúa, desaparece. De modo que la idea (o el contrarrecuerdo) que teníamos de cierto momento de la vida puede llegar a borrarse o, como ocurre literalmente en La lluvia llegó al final, a escurrirse.

Sofia Borges: Reincidencia y Paradigma

enero 26 - marzo 16 | 2013

Creo que mi investigación siempre partió de una reflexión sobre el lenguaje, y sobre la ausencia de sentido inherente de las cosas, y sobre algo cuando está vacío (no obstante, yo a veces pienso en el referente fotográfico como un cascarón).

Los trabajos se estructuran cada vez más por conjuntos y estrategias que se organizan para la constitución de un sujeto. Actualmente no tengo una línea conceptual que oriente mi práctica, inclusive mi producción se ha vuelto cada vez más “desorientada”. Voy haciendo, recogiendo, guardando, mirando, pensando, y en algún momento los trabajos se configuran, se convierten en una exposición. Y los títulos de éstas apuntan hacia eso, son partes importantes de un proceso de amalgama.

Aunque de cierta forma, es como si cada configuración de los trabajos abordase un mismo problema con preguntas distintas. Antes pensaba que mis exhibiciones (o series) eran siempre una respuesta a reflexiones que la serie anterior me había proporcionado. Es extraño, ya que siento cada vez más que siempre he hecho la misma cosa, solo que de exposición en exposición todos los nombres cambian.

-Sofia Borges

FOOTNOTES ON CANDIDA HÖFER

Jose Dávila  |  Candida Höfer  |  Jorge Méndez Blake  |  Theo Michael  |  Daniel Silver  |  Erwin Wurm

noviembre 10 | 2012 - enero 13 | 2013

Dentro del lenguaje, el propósito de una nota al pie es el de apoyar y añadir referencias a un texto, permitiendo un mayor entendimiento del mismo. Como notas al pie, las obras de Daniel Silver, Theo Michael, Erwin Wurm, Jose Dávila y Jorge Méndez Blake generan un diálogo con las fotografías de Candida Höfer, alejándolas de su inherente bidimensionalidad y trasladándolas a un contexto nuevo con nuevos significados. Cada sala de la galería cuenta con una conversación propia, en la que se destacan no sólo las facetas formal y conceptual de la obra fotográfica de Höfer, sino también las preocupaciones e intereses de Silver, Michael, Wurm, Dávila y Méndez Blake.

La estética de Höfer, característica por el uso de semejanzas formales y énfasis en la perspectiva, en ocasiones opaca el fuerte conceptualismo implícito en su obra. Su estancia en Florencia, durante la cual fotografió la Galería Uffizi, demuestra su fascinación por el concepto y los objetos dentro del espacio: una obra de arte dentro de una obra de arte. Daniel Silver da un giro a esta idea con sus esculturas, permitiendo que la obra salga de la fotografía, ampliando la perspectiva dentro de la imagen y creando un sentido espacial diferente.

La instalación de Theo Michael es una recreación de su estudio en su totalidad, que se presenta como respuesta a la fotografía de Candida Höfer de la Villa Stuck, y reflexiona sobre el concepto de espacialidad invitando al espectador a experimentar y habitar un espacio, a diferencia de la obra de la artista alemana, cuyo método transporta al público a un lugar cuya cualidad física solo se puede imaginar.

Las fotografías de Höfer de las bodegas del Museum für Völkerkunde Dresden subrayan la calidad fantasmal presente a lo largo de toda su obra. El gran formato y su respectivo detalle, una constante en su trabajo, realzan los colores de las cajas que abruman al espectador. Y, sin embargo, la habitación está desierta. La fuente de Erwin Wurm y las esculturas de Jose Dávila –en conjunto una presentación extensa de extremidades humanas– complementan esta falta de presencia humana en el trabajo de Candida Höfer. Irónicamente, es esta carencia la que crea su fotografía, exponiendo la psicología de nuestros espacios socioculturales, a veces olvidados, y reflexionando sobre nuestro entendimiento de cómo, y en consecuencia, quiénes somos.

Jorge Méndez Blake, por su parte, fue atraído por Trinity College Library Dublin V 2004 por una relación geográfica entre ésta y las dos obras que él expone en la muestra. Monumento a James Joyce y el mural realizado in situ Sin título (Joyce's Goldenhair) hacen referencia a la obra maestra del escritor James Joyce, Ulises, en la cual se narran las aventuras de Leopold Bloom a lo largo de un día en la capital irlandesa, lugar de nacimiento del escritor, y hogar de la biblioteca del Trinity College. Mediante esta relación, Méndez Blake se concentra en el cómo del quiénes somos, con base en el papel que la cultura juega en nuestra formación. Para él, la biblioteca es a la vez un almacén y diseminador de la cultura, y en su obra plástica muestra el resultado visual de este diálogo cultural. Su idea de biblioteca, por tanto, contrasta con la fotografía de Höfer, que constituye un ejemplo de cómo la cultura es presentada, y no formada.

Footnotes on Candida Höfer profundiza en el trabajo de la fotógrafa alemana, y a su vez, añade referencias a la obra de Daniel Silver, Theo Michael, Erwin Wurm, Jose Dávila y Jorge Méndez Blake. El diálogo entre los diferentes soportes, fotografía y escultura, genera más posibilidades de interpretación en cada una de las obras, así como un sentido más amplio de comunicación, significado y comprensión.

Nov. 23 - Feb. 18

Curada por Natalie Kovacs y Cristobal Riestra

el52 presenta la primera exposición individual en México del enigmático artista griego Theo Michael (Panorama, Grecia, 1978). Michael trabaja la idea del tiempo como constructor y destructor del espacio: mientras que en el presente se erigen monumentos pensados para la posteridad, el futuro los condena en una tendencia a la destrucción y el olvido.

Su obra, lúdica en apariencia, usa pedazos de referencias reales para cuestionar narrativas arqueológicas y evidenciar la subjetividad en el proceso de la construcción histórica. Utilizando el proceso de collage en múltiples medios, mezcla elementos incompatibles y anacrónicos que conviven en universos teológicos y culturales sin una temporalidad o espacialidad específica.

Entre otras series, la muestra presenta dibujos que hablan de un futuro a 100 millones de años pero que parecen provenir de encuentros arqueológicos pasados. A través de un lenguaje hermético cargado de nuevos significados, Michael junta imágenes y objetos que proyectan momentos y lugares inexistentes, cancelando la posibilidad de cualquier tipo de interpretación fija y cuestionando el valor de la historicidad como lo conocemos. Mediante asociaciones formales y el cuestionamiento al empirismo y positivismo del siglo XIX, y con referencias históricas, mitológicas, políticas y populares, Michael se postula como un académico cósmico que en ocasiones, revelando el conocimiento de las matemáticas regresivas, multiplica la historia y su significado actual por infinito.

La obra de Theo Michael ha sido expuesta en su natal Grecia, Italia, el Reino Unido, Tailandia y Alemania. Vive y trabaja en México desde el 2010.

Septiembre 24 - 10 Noviembre / 2011

Mayo 28 - Julio 23 / 2011

En busca del tiempo perdido de Julieta Aranda (título tomado de la novela de Marcel Proust) se conforma por una serie de ejercicios que recuperan la última hora de “vida” de la estación de radio mexicana XEQK-AM 1350 kHz, La estación de la hora exacta. Dicha estación transmitió ininterrumpidamente durante 70 años, hasta el 11 de febrero del 2008, año en que se convirtió en una frecuencia de música tropical  y en un tema de investigación para Aranda, cuyo trabajo gira en torno a la noción del tiempo, la subjetividad politizada, y los procesos mediáticos.

En busca del tiempo perdido, al igual que la novela de Proust, invoca al recuerdo involuntario a través de iconografía aural presente en el imaginario común. La memoria se activa en procesos lógicos fragmentados que apelan a las distintas formas de contener un recuerdo. Para esta su primera muestra individual en México, Aranda hace uso de medios como performance, escultura, arte sonoro e instalación para devolvernos en el tiempo a una situación de estasis en el que cada minuto es igual al que le sigue y al que le precede.

Parte del trabajo de Aranda se basa en la postura política del individuo frente al capital cultural y económico de una sociedad mediatizada y los múltiples formatos en que la información circula actualmente. Aranda ha dado a conocer su trabajo a través de colaboraciones con otros artistas como Anton Vidokle, con quien co-dirige e-flux; actualmente la agencia virtual más influyente de contenido e información sobre artes visuales, completamente autogestionada y operada por artistas. Su trabajo se ha presentado en instituciones  como el museo Guggenheim y el New Museum, ambos en Nueva York, Portikus en Frankfurt, el MUSAC, y el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, entre otros.

Abr. 04 - May. 23 / 2011

KOLKOZ, colectivo de artistas conformado por Samuel Boutruche (Avranches, Francia, 1972) y Benjamin Moreau (Paris, Francia 1973) inaugura su primera muestra individual en México en el52. La obra presentada es producto de una residencia artística en Apaseo el Grande, Guanajuato, organizada por la promotora Verónica González.  Durante su residencia y siguiendo su línea de producción artística, el colectivo francés decidió involucrarse con la comunidad de Apaseo y de otras regiones del Bajío para realizar tallas en colaboración con artesanos locales. De esta manera, KOLKOZ usa como plataforma la manufactura artesanal para crear objetos donde la estructura que sujeta y contiene a la  pintura (el marco) se convierte en la obra en sí, la cual es contenida a su vez por otro marco, hasta crear variaciones infinitas en donde los límites entre forma y contenido desaparecen.

KOLKOZ es un colectivo fundado en la primera mitad de los años noventa en Paris, cuya obra es parte de un proceso lúdico que se activa a partir de la contraposición entre lo real y lo virtual, haciendo uso de medios como video, escultura y fotografía. Su obra se ha expuesto en el Palais de Tokyo de Paris, el Centro Andaluz de Arte Contemporáneo en Sevilla, el Museo de Arte Contemporáneo de Gunadong en China y en el Whitney Museum de Nueva York.

Feb. 22 - Mar. 22 / 2011

El 52 se complace en presentar la primera edición de La bienal de el Fin, exposición colectiva que aborda el tema del colapso de la civilización occidental a partir del tratamiento visual que le otorgan la cultura popular y la industria del entretenimiento. Bajo iniciativa de los artistas Artemio y Rubén Gutiérrez, la bienal reúne el trabajo de más de veinte artistas que han tocado el tema desde perspectivas relacionadas con la creación de escenarios caóticos e irreales, así como con la reinterpretación de ficciones apocalípticas, profundamente arraigadas en el imaginario colectivo. Las obras reunidas en este proyecto curatorial van desde acciones simbólicas de resistencia, hasta la construcción  de escenarios caóticos, provocando así, diversas reflexiones en torno a las situaciones o escenas que se producirían en caso de un colapso mundial inminente.

Respondiendo a esta visión radical,  el colectivo TOA (Taller de Operaciones Ambientales) propone la clínica HEDAS: Herramientas de diseño adaptativo cuyo objetivo es reunir y desarrollar estrategias tangibles e intangibles que nos permitan imaginar posibles alternativas ante la catástrofe.

La clínica impartida por TOA está dirigida a diseñadores, artistas y arquitectos. Se llevará a cabo dentro de la Novena edición del Simposio Internacional de Teoría sobre arte Contemporáneo (SITAC) del 3 al 6 de febrero en el52.

Dic 15 - Enero 15 | 2011

La presencia de arquitecturas ambulantes y diversos dispositivos de ventas callejeras emplazadas en el espacio público son aspectos compartidos por múltiples ciudades latinoamericanas a partir de situaciones relacionadas con la lógica del intercambio y la distribución masiva de mercancías. En ciudades como México DF, tal fenómeno se construye visualmente como un sistema arquitectónico efímero de retículas metálicas, vehículos rodantes y guacales de plástico que ensamblados producen un complejo sistema transformable que sirve como contenedor de mercancías, transporte y espacio de exhibición según las necesidades de los usuarios; simultáneamente este ingenioso sistema modular significa una incorporación del espacio urbano al flujo del capital, implicando diversas dinámicas de territorialidad con relaciones jerárquicas y en algunos casos, prácticas clientelistas.

Basado en un estudio sobre dicho fenómeno y como parte de una residencia realizada en México durante 2007 y 2008 (FONCA-CONACULTA), el artista colombiano Felipe Arturo (Bogotá, 1979) ha desarrollado un sistema constructivo a partir de los materiales usados por el comercio informal; esto lo ha llevado a producir esculturas móviles y acciones que recrean espacios para el ocio y el divertimento, adaptables a las condiciones de cada lugar y emplazadas a manera de intervenciones. Tal es el caso del proyecto de investigación Los exilios de Trotsky que consistió en localizar las diversas ciudades en donde el político ruso fue exiliado durante los regímenes zarista y estalinista, para situarlas en calles de la Ciudad de México con los mismos nombres, recreando así un mapa de desplazamientos sobre el cual el artista ejecutó una serie de acciones efímeras registradas en video.

De esta manera el52 propone un proyecto donde Felipe Arturo integra su investigación sobre arquitectura espontánea al espacio de exhibición para generar dispositivos como la Biblioteca comunitaria ambulante, pieza realizada con guacales de plástico y rejillas metálicas que puede ser ensamblada varias veces y operar en distintos contextos. En esta pieza, el ambulantaje y el comercio informal se convierten en un sistema de producción, distribución y reciclaje de estructuras que alimentan su propio funcionamiento para invadir el terreno del arte a partir de arquitecturas efímeras que fusionan las nociones estéticas de contenedor y contenido, superponiendo las operaciones de vehículo de transporte, espacio de exhibición e imagen temporal de la ciudad.

La Biblioteca comunitaria ambulante, inspirada en el texto de Walter Benjamin “Desempacando mi biblioteca”, 1931 – el cual refiere al impulso coleccionista del autor- es un proyecto nómada en crecimiento que permanecerá abierto al público en el52 hasta el 18 de abril del 2010 para potencialmente después viajar a otras sedes. La intención es reunir la mayor cantidad posible de libros en cada lugar donde la obra se emplace a partir de la donación voluntaria de los visitantes. Esta pieza se inaugurará junto con otras estaciones ambulantes del artista, las cuales se utilizarán para presentar diversos programas de cine y video durante el transcurso de la exposición

Febrero - Junio / 2010

Durante todo el mes de agosto, el grupo mexicano  El Resplandor ha hecho una residencia en el espacio del 52, tiempo en el cual sus miembros han producido una variada colección de objetos que va desde apropiaciones de carteles publicitarios hasta poncho-banderas; videos, esculturas, dibujos, fotografías, textiles  y collages. Cada obra es creada en reacción al impulso que genera la energía del grupo pero representa también la individualidad de cada uno de las personas que lo integran. El corazón de este proyecto son los performance de música progresiva, ensayados cada semana que, igualmente, representan un dialogo instrumental entre los miembros del grupo. Cada semana se producen nuevas piezas y rolas que se conjugan convirtiéndose en una sola gran obra total (Gesamtkunstwerk) la cual será presentada en la inauguración la noche del sábado 29 de agosto. Siendo el primer colectivo de artistas en participar en el proyecto de residencias del 52, el objetivo ha sido proveer un espacio en donde el grupo tuviera la libertad de experimentar y crear cotidianamente durante un plazo limitado. Un factor decisivo consistió en que los artistas enfocaran su trabajo dentro de los límites del espacio mismo de exhibición. El proceso ha sido documentado constantemente, con el fin de dar transparencia y accesibilidad a los métodos de producción. La audiencia no es excluida sino, por el contrario, invitada a relacionarse e interactuar con las distintas obras individuales para atestiguar la construcción de un evento holístico.

Agosto - Noviembre / 2009

La decisión de exhibir obra ‘no-objeto’ se tomó con la intención de enfocar el interés del público en la metodología de trabajo de cada uno de los artistas quienes enfatizan la economía de material, la inmediatez, la reproducción y la adaptabilidad a diferentes contextos.  Todas estas son estrategias derivadas del arte conceptual, sin embargo, en la mayoría de los casos, los artistas buscan criticar esos métodos y subvertir los sistemas de representación ya establecidos.

Nos interesaba posicionar la obra en un punto intermedio de negociación entre el no-objeto reproducible y la dependencia a un contexto específico. Así, el trabajo debe percibirse como sutiles intervenciones en el espacio, al punto de poder generar una sensación de vacío en el espectador haciéndolo más consciente tanto del espacio, como de la obra misma, (o de la relación entre ambas). Vemos por ejemplo textos en vinilo (Aranda y Brüggemann), muros delineados (Dávila), montones de papel (Chaparro) o carbón (Arnaud) apilados en el piso, o el piso mismo de la casa reconfigurado (Camil).

Artistas: Julieta Aranda, José Arnaud Bello, Stefan Brüggemann, Pia Camil, Aldo Chaparro y Jose Dávila

Agosto - Noviembre / 2009